텅빈충만 강호생
강완규 개인전에 부쳐
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Prath 프라트
프라트전에 부쳐 아직까지 우리는 서양 근대 이성에서 빠져나오지 못하고 있다. 사실 이들은 이미 버렸는데 말이다. 어쩌면 “우리에겐 모더니즘의 뿌리가 없기에 포스트모더니즘도 없다.” 라는 견해도 일리는 있는 말이다. 20세기말 지성계와 문화계를 풍미하며 후기 자본주의의 시대에 대해서 성찰하고 반성하고자 했던 “포스트모더니즘은 죽어 매장되었다”라는 선언이 현시대의 상황들을 볼 땐 더욱 동일한 느낌을 받는다.
이른바 자본주의와 대중예술의 다양성과 자율성, 절충주의와 다원주의 미학으로 관습의 경계를 허물며, 중심과 주변이 혼재한 복합성의 미학을 추구했던 포스트모더니즘의 이념적 지표는 이제 더 이상 대안이 되지 못한 지적범람의 유행 속으로 사라졌다고 할 수도 있다. 바로, 이 시점에 세 사람이 모였다. <강호생, 문수만, 이재경>이다. ‘프라트'PRATH 의 이름으로 출발하는 이들은 풍부한 경험적 축적을 통해 각자의 독특한 조형세계를 이루고 있는 데 문득 숭엄미 까지도 느낄 수 있다. 세 작가가 ‘프라트殿’에서 추구하는 바는 무엇이며, 이 전시가 갖는 시대적 의미는 무엇인가? 이에 앞서서 먼저 그들 각각의 작업세계를 들여다본다. 근원적 생명의 강, 프라트. 영어식 표기로는 ‘Prath’이다. ‘프라트’는 성경의 창세기에 나오는 ‘유프라테스’ 강의 히브리어 이름이다. ‘프라트’는 에덴동산(기쁨의 낙원)에서 발원하여 동산을 적시고 거기서부터 갈라지는 네 근원(根源)의 강 중 하나이다. 고대 근동에서 ‘강’이란 개념은 단순한 물의 공급원이 아니었다. 그것은 모든 만물의 생명이 비롯되는 근원지로서의 성격을 지닌다. 강호생, 문수만, 이재경. 이 세 작가가 모여 전시회를 연다는 것의 의미를 ‘프라트’라는 이름에서 찾아볼 수 있지 않을까. 현실을 비판적으로 재구성할 수 있는 힘을 잃어 새로운 시대를 이끌 대안을 제공하는 데 실패한 포스트모더니즘은 이제 평범해져서 우리에게 어떤 자극도 주지 못하고 있다. 아티스트로서의 포스트모더니스트들이 사용한 ‘해체’라는 비판의 수단도 그들의 작업들에서 이미 수단이 목적으로 변형되고, 절대화되었다. 추구하는 것과는 정반대의 결과가 아닌가. 현 예술 문화상황의 특징을 “사기와 허위의 가능성의 산재”라고 지적한 스탠리 카벨의 설득력 있는 언급처럼 미술 전시장은 빈 제스처의 남발과 ‘주체의 죽음’ 그 자체이다. 무엇이 진짜이고 무엇이 가짜인지 구별할 기준조차 없다. 작가들의 작품은 안일한 자세에서나 나타나는 “진실성, 진지성”의 결여들로 가득 차 있다. 순수성은 예술의 첫 번째 조건이다. 기존 미술계의 질서나 가치관이나 출세에 무감각할 때 예술성도 높아진다. 보편적 진리에의 거부, 심미적 현상에 집착함으로 물든 우리의 현시대에 대중예술과 소비문화에 무관하며, 생명의 본질과 토대를 찾아 가는 작가들이 있다면 시대착오적이라 하겠는가. 그러나 관념적 본질이 아닌 실재하는 본질을 향한 움직임이라면 눈여겨 볼 필요가 있지 않은가. 현재의 특수하고 긴급한 문화상황 속에서 역사적 필연성을 통감하고, 참된 예술가의 자세가 무엇인지의 통찰을 점검하기 위한 프라트殿의 향후는 그래서 지켜볼만하다. 생명을 여백으로 노래하고, 나비처럼 시공을 자유롭게 날며, 근원적 실재를 추구하는 세 작가가 한 마음으로 동시에 일어섰다. 아름다운 땅을 적시는 근원의 강, ‘프라트’를 바라보기위해... 한국화가 강호생 2nd_'프라트' - 보이지 않는 것 지난 창립전에 이어 두번째 전시를 열면서 익히 언급했던 Prath에 대한 뜻을 다시 간추려 보는 것은 우리 자신들에게도 의미 있는 일이다. 성경 창세기의 에덴동산에서 발원하여 흐르는 네 줄기 강들-비손, 기혼, 힛데겔, 유프라테스 (각각 부유, 은혜, 결실, 능력의 의미)-중에서 가장 큰 강, 유프라테스의 히브리어 이름이 곧 ‘Prath’이다. 초목을 적시는 ‘근원(根源)적 생명의 강’을 뜻하는 Prath-프라트’라는 이름을 내걸고 강호생, 문수만, 이재경, 세 작가가 두번째로 또 다시 하나가 되어 새로운 작품을 선보인다.
2년 전 서울 인사동 미술세계 갤러리의 기획으로 창립전을 열었으며, 올 해는 운보미술관의 기획 초대로 Prath전을 여는데, ‘보이지 않는 것’이라는 타이틀로 그 문을 열게 되었다. 우리 세 명의 시각적 작업은 너무도 상이하다. 아무리 보아도 닮은 데라고는 찾아볼 수가 없다. 그래서 이 모임이 더 특이하고 더욱 등가적 가치를 가질 수밖에 없다. 그러나 이것은 어디까지나 겉으로 보이는 모습일 뿐, 세 작가의 작업을 깊숙이 들여다보아 그 뗄 수 없는 상보관계가 있음을 알게 된다면, 강하게 응집된 세 작가의 귀한 가치를 쉽게 발견할 수 있다. 우리 세 사람의 첫번째 공통성은 시각적 언어로 말하는 미술의 표상을 거부할 수는 없지만, 언급한대로 전시 주제, 곧 ‘보이지 않는 것’에 첫번째 공통분모가 있다. 생명과 근원, 그리고 역사 등은 세 작가가 표방하는 바로 그것에 있다. 둘째로 Prath의 특이한 공통점은 ‘그림을 그렸다’라는 결과물이 아닌, 결과물 전에 ‘작품을 제작하다’로 시작하여 과정 과정마다가 ‘땀방울 그 자체인 제작’에 마지막까지 혼신의 숨결을 불어 넣는다는 것에 있다. 먼저 이재경 작가는 작업의 토대가 되는 캔버스 자체를 직접 자르고, 깎고, 바르고, 붙이는 등의 수고를 통해 캔버스를 다각도로 변형하며, 입체화한다. 본인이 표현하고자 하는 형상과 형상 그 ‘사이’를 주목하며 그 사이들 틈에서 오고가며 입체화한 캔버스들은 군더더기 없는 완성도와 함께 작가의 충실한 의도가 숨어있다. 이재경 작가의 작품에 대한 개념적 접근은 너무나도 간결하고 함축적이며 때론 웅장하기에 그 여운이 길다. 그래서 그런지 이재경 작가의 정신을 사랑할 수밖에 없다. 문수만 작가를 살펴보자. 이 작가 역시 얻어진 결과물을 향한 과정을 보면 그야말로 처절한 사투 그 자체이다. 질료를 다루는 능숙함과 지혜로운 제작 방식이 독자적이다. 누가 이를 흉내냈다한들 문 작가의 디테일과 절대몰입까지 따라갈 수는 없을 것이다. 다양한 크기의 원형 캔버스는 관람객을 처음부터 압도하는 힘을 지녔으며, 작품들 하나하나에 쏟아내는 지고의 정성은 자신을 속이지 않는 정직함에서 출발한 숭고한 소산이다. 이를 확인할 수 있는 것은 이번의 대표작 역시 입체화 된 종(鐘)의 표면에 부조된 이미지를 새겨넣음으로써 평면의 둥근 캔버스에 시간의 역사를 꼼짝없이 붙들어 매놓아 재현하고 있다. 집념 그 자체로 이미 그는 아티스트다. 그리고 마지막으로 내 작업은 언제나 그랬듯 수묵과 여백에 대한 유희이다. 결과물이 나오기 이전의 계획과 제작과정이 매우 면밀하다는 점에서 앞의 두 작가의 작업과 다르지 않다. 실험실을 방불케 하는 작업실도 그렇지만, 물, 물감과 먹물 각각의 양과 무게를 전자저울로 계량하는 것, 작업실 내부의 온도와 습도를 세심하게 맞추어야 하는 등의 지난 인내들은 결과물이 가져다 줄 환희 이전에 이미 예고된 고난들이었다. 연속적 재 탐구가 가져오는 독특한 수묵처리는 간결미와 함께 신비함마저 드러낸다. 시각적 단순함의 겉모습에도 견딜만한 것은 천 마디의 말보다 말없고자 하는 말을 할 수 있기 때문이요, 보이지 않는 무궁함에 집착하는 우를 범할 수도 있지만 있음(有)은 없음(無)이 구실하기 때문이라는 비밀을 알고 있기에 외로움이 벗이 되어버렸다. 지금까지 살펴 본 것은 우리 세 명의 작가들의 일차적 작업방식의 태도이다. 당장의 소출은 기대하지 않더라도 여전히 나는 이러한 우리들의 예술을 향한 아낌없는 사투를 사랑한다. 그 사랑(charity) 이후엔 어찌 열매 맺지 않을 수 있겠는가? 이렇듯 우리의 'PRATH'는 ‘보이지 않는 것’의 전달자로서 오늘도 걷는다. 흐른다. 한국화가 강호생 3rd_'프라트' - 우리들 작품의 온도 어느덧 세 번째로 접어든 ‘Prath-프라트展’은 이번에도 세 명의 작가 강호생, 문수만, 이재경으로 또 다시 하나가 되어 새로운 작품을 선보인다. 지난해에 이어 올해도 운보미술관의 기획 초대로 Prath전을 여는데, ‘우리들 작품의 온도’라는 물음과 그에 대한 부족한 답을 내놓게 되었다.
외견상의 극명한 차이로 시원한 변화를 주며, 내면상의 응집력으로 절묘한 통일을 주는 우리 세 명은 각자의 작업 공간에서 시간에 쫓기고 몸살로 괴로워하며 분주했으면서도 즐거웠고 행복했다. 자기 작품을 위해서는 몸을 사리지 않는 열정과 책임감으로 수개월을 또 달렸다. 그 발걸음이 언제 멈출지는 모른다. 이제 쉼 없이 달려 온 발바닥에 불이 붙었다면 ‘우리들 작품의 온도’는 몇 도일까? 우리가 붙인 작품의 온도로 우리 몸을 사르면 행복할까? 아니면 공허할까? 어차피 홀로 태울 수밖에 없는 슈퍼에고에 정중히 양해를 구하며 우리 세 명의 근황을 이야기 해보자. 이재경 작가의 작품은 실루엣을 포함한 사이와 사이의 지향성이 이번에는 더 확연하다. 일련의 매스mass들은 작고 가늘게 분리된 듯 연결되어 있다. 그 틈을 통한 감성 자극은 이재경의 작품에 부분인 동시에 전체의 의미 전달자로도 다가온다. 재료의 딱딱한 느낌은 이성적이고 지적인 차가운 추상을 연상시키지만 질료 자체와 색상은 더욱 신비감을 자아내며, 사이와 사이에서 일어나는 활발한 움직임과 작품 실루엣의 유연성들은 마치 엥포르멜의 뜨거운 추상을 동시에 담아내고 있어서 관람객의 몰입도를 최대치로 올린다. ‘작품은 겉으로 드러난 작가의 심장’이라 했듯이 이재경 작가의 농축된 심장의 세계를 읽어내는 일은 참으로 즐거운 일이다. 문수만 작가역시 변하지 않는 기존 패턴에 의존하고 있지만 이번 발표작에서 두드러진 것은 작품 표면의 온도변화와 포근한 색상이다. 매끄러운 표면과 정직하게 절개된 도상들이 초기의 작업들이었다면 근래부터 시도되고 있는 작업은 작품 표면의 요철 생성과 작업 방식의 태도전환으로 한층 더 풍부하다. 견고해 보이는 몬드리안의 그리드 시리즈 작품들을 가까이 다가가 자세히 살펴보면 결코 차갑지 않다. 엄청난 마띠에르와 붓의 율동 속에 파도치는 뜨거움은 곱씹을 때에 그 맛을 알게 된다. 가시적 차가움에 비가시적 포근함이 그에게 녹아 있듯이 문수만 작가의 이번 발표작에서는 몬드리안의 양자, 그것보다 더 큰 파도를 친다. 그리고 나 역시 '선율-생명의 소리' 시리즈로 시작한 이번의 작품들은 '방법'을 변형시켰다. 활처럼 팽팽해진 줄에 먹물을 바르고 백색의 화면 위에 먹줄을 튕긴다. 무거운 울림과 파동은 오묘한 현상들의 선율로 나타난다. 파동의 먹물은 금방이라도 들릴 듯한 생명의 소리처럼 묵의 장중한 맛으로, 그것은 거문고와 첼로 소리의 웅장함으로 다가온다. 수직 수평의 가느다란 선들의 차가움은 프랭크 스텔라를 연상시키며, 직관적 수묵의 뜨거운 범람은 죠지마튜와 마크토비를 상기 시킨다. 왜 그림을 그려야 하는가?'에 대한 나의 일관된 세계관에서 본질 여정의 탐구는 지속된다. '그림은 그리지 않는 것이 그림이다!' 라고... 이상과 같이 PRATH의 상이하면서도 공통적인 작가들의 세계를 방법의 개진으로 얻어지는 온도, 즉 차가움과 따뜻함의 양자로 분석한다. 한국화가 강호생 |
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Hosaeng Kang 
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